【爵士經典現場】
金鐘獎主持人，「臺灣爵士一哥」沈鴻元，經典回顧！

無論您是日出而作、日落而息的生活模式，或是晝伏夜出的夜貓子！就讓音樂舒緩您白天壓力過後的情緒，穩定您夜裡清醒時的思緒！

行亦禪，坐亦禪，音樂讓您神往，韻律讓您超然…

週末清晨，適合暫時放下緊張情緒，慢放生活步調，讓您的心靈，煥然一新！

【作家夏夏，走訪昔日學琴人家，為您訴說動人的家庭故事】

上個世紀80、90年代的臺灣，經濟正起飛，
白手起家、胼手胝足的父母們，為兒女們買了超出經濟負荷的鋼琴，
從此，客廳成為鋼琴教室，家家戶戶琴音迴盪，
練琴、學琴，成為一段共同的時代記憶。

本週「大大的必修課」，
作家夏夏，將帶您走訪昔日學琴人家，探望那一台台塵封的鋼琴。
透過這巨大而沉默的老樂器，梳理一段段動人的家庭故事。

※ 本節目由台北仁濟院贊助播出

【巴赫：第四、六號布蘭登堡協奏曲、第一、二號大鍵琴協奏曲】

巴赫創作過數量頗為豐富的協奏曲，其中堪稱巔峰之作的，則是「布蘭登堡協奏曲」。在這套包括六首樂曲的作品，為巴洛克時期的協奏曲形式，做了相當大的突破。原本制式的協奏曲，是以「快-慢-快」三個樂章組合而成，但是在「布蘭登堡協奏曲」當中，巴赫卻採用了二到四個樂章的彈性運用。此外，在獨奏樂器方面，巴赫突破了「單一樂器」或「單一音色」的模式，他有時讓獨奏聲部同時包括管樂、弦樂、與鍵盤樂器，有時則是由樂團各個聲部之間彼此呼應，創造更豐富、更多元化的音色。
第四號「布蘭登堡協奏曲」，以淳樸的直笛音色，以及華麗的小提琴作為演奏上的結合，小提琴]的部分在比例上則較為吃重；第六號布蘭登堡協奏曲，在編制上則沒有獨奏樂器和合奏樂器的區別，特別的是，樂器當中沒有小提琴，而加入了古大提琴，形成一種非常特殊的組合，在缺少高音的情況下，低沉的音響效果則顯得很優雅。

《世說新語，白話古典》論韋瓦第 ─ 圖文並茂，不如，繪聲繪影！

「紅髮教士」韋瓦第不是一位稱職的神父，但絕對是一位優秀的音樂老師，也是「女性演奏家之父」！

眾所周知，西方古典音樂史上的女性音樂家非常少，當然這和長期以來的父權社會有關，一切美學領域都必須由男性主導，女性只能在家中學習音樂，當成是生活上的消遣，不可以在外拋頭露面演出。

西元1686年，名字很特殊的羅馬教皇，「無罪的六世」，頒佈了一道命令，他認為，「音樂有損女性的端莊氣質，會讓他們在『正當的工作上』分心，所以不同階層、地位的未婚、已婚或是寡婦，以及在修道院、學校中的女性，都禁止跟男性學習唱歌，或是演奏任何樂器」。

這項禁令後來造成了義大利閹唱歌手的崛起，羅馬成為了所謂的「閹伶」大本營。

為什麼要提這些？
我們認為在這種背景下介紹韋瓦第是有意義的，因為他是一位神職人員，並且和教皇頒佈禁令之後的時空重疊，女性仍然不能接觸音樂。

韋瓦第擅長小提琴這項樂器，西元1703年起，就在義大利威尼斯的孤兒院工作，這裡收容了許多棄嬰、孤兒，而且都是女童。

為了籌募孤兒院的經費，韋瓦第訓練部分女童接受專業音樂教育，在節慶、假日公開演出。其中有些是器樂演奏高手，根據文獻記載，「即使男性中的佼佼者，也比不上這些女孩。」
例如莫札特，就為當中優秀的女性小提琴家史翠娜·沙琪，寫了小提琴與鋼琴的「B大調奏鳴曲」。

西元1720年一位英國學者曾經造訪孤兒院，在觀賞演出後描述，「這些女孩坐在教堂的樓上，由鐵窗隔開，不讓觀眾看清楚他們的長相。女孩們平時由一位閹割過的男性管理，樂器演奏和聲樂演唱都出奇得好！尤其是只聞其聲，不見其人，更讓人感到有趣！」

事實上，韋瓦第為什麼會寫了五百多首不同器樂協奏曲，其實都和這些優秀的女孩們有關，擁有一個固定、優秀的女子樂團，協奏曲才能由以往的「群奏」對抗，改變為今天您熟悉的「獨奏」、既競爭又合作的表現。

古典音樂史上為什麼少有女性音樂家？
過去曾有「無聊人士」慎重其事的分析，指出女性，「依賴、缺乏抽象思考能力、保守及無法客觀批評自已的表現。」所以沒有辦法成為音樂家。
所以今天舉出韋瓦第的例子，為女性平反，也讓女性音樂家出現的歷史，更往前追溯一百多年，而不應該再從芭達潔夫絲卡、克拉拉•舒曼說起。
接下來，就為您介紹韋瓦第寫了哪些好聽的音樂...

「藍調」是美國唯一的原生種音樂，是來自底層的力量！「藍調」是搖滾樂、靈魂樂、嘻哈、饒舌等現代流行音樂的前身。我們身為現代人，不能不認識它！從「藍調」出發，主持人沈鴻元、蘇重帶您一起了解二十世紀後流行音樂的一切脈絡。

【萊比錫布商大廈管弦樂團：純粹喜悅, Ep. 11】

今天的節目中，要回歸最正統的德奧交響曲，為您帶來「純粹喜悅」！從巴洛克時期作曲家海頓(Joseph Haydn, 1732~1809)的第101號交響曲「時鐘」，到古典樂派作曲家貝多芬(Ludwig van Beethoven, 1770~1827)的第三號交響曲「英雄」，萊比錫布商大廈管弦樂團客席指揮布魯根(Frans Bruggen, 1934~2014)邀您見識「本格」交響曲的魅力！

播出曲目：

Joseph Haydn: Symphony No. 101 in D Major, Hob I:101, 'The Clock'
Wolfgang Amadeus Mozart: 1st Movement fromViolin Concerto No. 2 in D, K. 211
Wolfgang Amadeus Mozart: 3rd Movement from Divertimento No. 7 in D, K. 205
Ludwig van Beethoven: Symphony No. 3 in E-flat Major, op. 55, 'Eroica'

【小提琴家Tasmin Little】

1965年出生於倫敦的小提琴家里托，曾就讀耶胡迪梅紐因學校，後以金獎畢業於市政廳音樂及戲劇學院。1990年起數度登上BBC逍遙音樂節，大量演出與錄音活動之餘，致力推廣英國布拉福出生的作曲家戴里厄斯（1862-1934）的作品；1996年由布拉福大學授予榮譽學位，2006年曾任戴里厄斯啟發音樂節（Delius Inspired）的藝術總監。今晚的節目，和您一起來欣賞，德沃札克、德布西的作品。

本週時光旅人的節目主題是「Family Matters(家庭時光)」。將為你播放歌名有我們家庭成員的曲子, 我們會打開家庭相簿，聊聊爸爸、媽媽、兄弟姊妹。

《Serge Diaghileff in Roaring Twenties, part 9》
Diaghileff在「咆哮20年代」－Season 1927, Stravinsky: Oedipus Rex

Stravinsky曾經感嘆到：「我是一個「雙重流亡者」：出生於一個次要的音樂傳統，並且兩度被移植到其他同樣次要的傳統之中。我自己—而非政治局勢或革命—也促成了我出生權所屬之有限傳統的耗竭與沈沒；然而，正是「俄羅斯音樂」這條死胡同，使我轉向了「法國音樂」。在當時，法國音樂幾乎和俄羅斯音樂一樣折衷，甚至更缺乏傳統性。我的第二次遷移，則是前往美國。」

Stravinsky的Oedipus Rex《伊底帕斯王》是根據著名的希臘悲劇作家Sophocles的同名原作改寫而成，是他離開俄國後所創作的第一個大型音樂系劇作品，1927年5月30日在巴黎莎拉・貝哈特劇院（Théâtre Sarah Bernhardt），由俄羅斯芭蕾舞團以神劇形式演出，Stravinsky自己擔任指揮，這齣神劇－歌劇是Stravinsky為Dighileff芭蕾舞團成立二十週年所作的禮物—Diaghileff稱之為「一份極其陰森的禮物」（Un cadeau très macabre）。
劇本是由尚・考克多（Jean Cocteau），依據希臘悲劇作家－Sophocles的原著改編而成，先是用法文寫作，然後交由一位神父：尚・達尼埃盧（Jean Daniélou）譯成拉丁文，接著Stravinsky才用這拉丁文的翻譯劇本進行譜曲工作。至於為什麼選擇用拉丁文，而不是希臘文，也不是法文呢？
Stravinsky表示，自從俄國大革命之後，他成為了「失根者」（déraciné）後，終於想通了「一個為音樂而寫的文本，若「反向」地從世俗語言譯入一種神聖語言，便可能獲得某種紀念碑式的性格。」所謂「神聖」，或許僅意味著「更古老」，未必是宗教性的，而可能只是因其古老，蘊含更強的咒語性與音樂潛能。這一體悟同時解決了他在聲樂創作中長久困擾的語言問題：俄語已不再可用，現代歐洲語言又與我氣質疏離。最終，我在重新發現西塞羅式拉丁文中，找到了那種「無功用的純粹語言」。我選擇拉丁文而非希臘文，是因為我完全不知道該如何在音樂上處理希臘文（或拉丁文—拉丁學者會這麼說—但至少對拉丁文，我有自己的構想）。

當Stravinsky被問到為什麼會嘗試創作一部「蠟像館式的歌劇」（waxworks opera）時，他給出的簡短回答是：「我厭惡寫實主義（verismo）」，完整的答覆則更為積極、複雜。因為他希望透過靜態的呈現方式，更能將悲劇的焦點，從Oedipus這個人及其他個別角色身上，轉移到那種「宿命性的發展」—這正是此劇的意義所在。

《Music at your own Risk (MAYOR系列)-Part9－十二音作曲法》

1923年Schoenberg的太太Mathilde自殺，在隨後的數年間Schoenberg的生活亂成衣團，每天抽60支香菸，喝3公升黑咖啡，並且服用可待因與「潘托朋」（pantopon）－阿片來麻醉自己，至少曾一次考慮過自殺。在當時所立的遺囑中，他如此描述自己對可能自殺的遺憾：
「我本希望我所留下的一切能顯得更加豐富—在作品與成就的數量上更為豐富，在發展上更為成熟，在意義與意圖上更為深刻。
我本希望能再留給世界一兩個想法；更進一步，我寧願能為它辯護、代表它、為它奮鬥。我本希望能親自完成那些我的弟子將會完成的事。我也同樣希望—我無法否認—能為此收穫名聲？」
Schoenberg在1921到1923年之間所寫作的《鋼琴組曲》，這是他第一個完整運用「十二音作曲法」，以音列所做成的曲子。關於這作曲法，其實中間有個不小的爭議，因為這創新的作曲方式在當時而言，是個一大新發明，為一次大戰之後尋找音樂新秩序找到一條極具創見的思路。
這新穎獨創的作曲法是Schoenberg經過多年逐步形成的，此概念並非以單一頓悟而產生的，當時另一位作曲家Jose Matthias Hauer (1883.3.19-1959.9.22)也在提倡採用類似的方式作曲，並且不時的對外發表文章宣揚這作曲法，甚至連他自己的學生Anton Webern也想搶先成為創新者，甚至告訴Schoenberg說，這作曲法不適合Alban Berg，所以不要告訴Berg，若不是因為Hauer的出版活動，Schoenberg可能原本會繼續保密他的發現，最後為了向世人昭告這一創新作曲技術是他的發明，他在Moedling的家中召集了他的學生與友人，公開說明這新作曲法。
1924年在Donaushingen音樂節上，Schoenberg與Hauer在一家咖啡館裡面對面的發生了一場大爭吵，氣氛很不友好，兩個人都堅稱自己是「十二音作曲法」的發明人，日後Hauer一直四處對外說是Schoenberg掠奪了他的創意，可是Schoenberg周遭的有人覺得不懂Schoenberg為什麼對Hauer那麼客氣，Hauer根本是個很不怎麼樣的作曲家，Schoenberg是透過實際創作而得到這成果的，而Hauer只是憑空異想而發明的，兩者根本不是同一件事，是Schoenberg使得「十二音作曲技法」變得完整而可行，甚至親力親為的做出個示範成品，這才當得上是真正的發明者。
Oscar Kokoschka說：「作為一個非音樂家，我不在乎音樂家之間的爭論—甚至根本不知道。我只知道，例如Alban Berg，我想Schoenberg也這麼想—他想保險一點，所以傾向成為過去音樂和這種新音樂之間的橋樑。就像我認為新繪畫是當你畫出你真正看到的，而不是你學來的、習慣的或傳統的—不只是看到，而是在某種程度上感受到，作為你所處時代的表現—那個時代的精神（Geist），他認為自己在音樂中反映了時代精神，而其他人所沒有的…」
本集節目將為你詳細說明Methode der Komposition mit zwölf nur aufeinander bezogenen Tönen，「以十二個僅彼此相互關聯之音進行作曲的方法」，一般通常簡稱為－「十二音作曲法」，以Schoenberg的《鋼琴組曲，作品25》為例，讓您了解何謂「音樂原型」、「倒影」、「逆行」、「逆行倒影」，深入瞭解他所宣稱「可以確保德國音樂往後數世紀的霸權」的全新作曲法。

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