【爵士經典現場】
金鐘獎主持人，「臺灣爵士一哥」沈鴻元，經典回顧！

無論您是日出而作、日落而息的生活模式，或是晝伏夜出的夜貓子！就讓音樂舒緩您白天壓力過後的情緒，穩定您夜裡清醒時的思緒！

行亦禪，坐亦禪，音樂讓您神往，韻律讓您超然…

週末清晨，適合暫時放下緊張情緒，慢放生活步調，讓您的心靈，煥然一新！

【資深廣播人陶曉清：熟齡的第一課，從「不嫌棄自己」開始！】

曾經她給自己立下「興沖沖過一輩子」的墓誌銘，
如今年過八十，對人生有了不同取捨，
但是，「興沖沖地活」依然是她不變的生活態度。
她說：「興沖沖」就是好好地面對、好好地接納自己每一個當下的狀況。
步入熟齡最重要的功課，就從「不嫌棄自己」開始。

本週「大大的必修課」，
資深廣播人陶曉清告訴您，熟齡人生如何「興沖沖地活」。
透過書寫記錄悲喜日常，透過舞蹈認識自己身體；
創辦網路電台、舉辦和紙撕畫義賣展覽，
此外她還提醒：不要忘記自己內在、外在的資源有多豐富！

※ 本節目由台北仁濟院贊助播出

【史特拉汶斯基：幻想詼諧曲、煙火、火鳥】

不管在什麼時代，總會有一群人試著顛覆傳統，開創新的可能性，例如二十世紀的史特拉汶斯基，曾經用離經叛道的芭蕾音樂「春之祭」，為樂壇投下一顆震撼彈！但是在那之前的他，其實只是個沒沒無名的青年作曲家，卻有兩位伯樂發現了這匹活在未來的「千里馬」。本次節目就來聽聽背後的故事，以及史特拉汶斯基的創意巧思，如何為自己創造了合作機會！

誰是蕭邦？
「他，是一個意外！」

為什麼該認識，蕭邦？
「因為在情感氾濫的時代，專注，是最好的語言。」

蕭邦為什麼那麼重要？
「因為他是『空前』、『絕後』的音樂大師，
可以直闖任何人的心靈深處，
讓你無法⋯也不想去擋。」

和舒伯特、舒曼等浪漫樂派大師一樣，蕭邦燃燒生命，豐富青春，短促而熾熱。他似乎是被老天選來，專門譜寫「青春的音樂」，填補每一個人內心最善良、純潔，也是最隱密、卻帶著遺憾的年輕記憶。

那種感覺，就像翻閱年少時發黃的日記與相簿，神情專注，時光凝結， 不時沉思—— 「如果，能再輕狂一次……」


這種想望，在聆聽蕭邦音樂時經常會莫名出現，因為他在創作時，永遠「專注凝視某一點」；而那個「點」，就藏在每個人的內心深處，挑動，悸動！

和絕大多數作曲家不同，蕭邦幾乎只為鋼琴創作，而且擅長短小曲子，卻被許多樂評公認為「兩百年來最有創意的作曲家」。

因為他完美實踐了美學中的「飽滿原則」—— 用最簡單的元素，表現最豐富的內涵。

小而美，小而大。
「輕、薄、短、小」，卻夠份量！

蕭邦是一位極度「人性」的作曲家與演奏家，創作與演出時強調即興、彈性與幻想， 視野不大，內容簡單，卻將所有情感集中其間，用情至深。

因此，在介紹蕭邦時，絕不能只用 「神童」、「天才」一筆帶過。 音樂史上的神童、天才很多，但蕭邦，只有一個。

他的創作形式與內容，並不符合音樂史「好大喜功」的傳統精神。

所以，蕭邦的出現，更像是一個意外—— 音樂史上的過客，天空中的流星，稍縱即逝。

十九世紀俄國鋼琴家安東・魯賓斯坦，是第一位稱蕭邦為「鋼琴詩人」的音樂家。

「鋼琴之王」李斯特則說：
「沒有人有資格批評這顆細膩而高貴的心靈，他是神聖不可侵犯的大師。」

德國大文豪海涅形容蕭邦：
「當他坐在鋼琴前即興彈奏時，一股前所未有的熱流湧現。他不是法國人，也不只是波蘭人，他真正的祖國是——『夢幻王國』。」

一台鋼琴， 一顆孤獨的心靈，究竟能產生多大的共鳴？

是誰，在凝視你記憶最深處？
是他？
還是你自己？

開始，為何無法結束？
缺憾，為何總是最美？

「蕭邦」這個名字，為什麼本身就是一首詩？

當你找到以上問題的答案時，先別急——

還有一個更有趣，卻永遠無法解答的問題，正在等著你：

「蕭邦的音樂創作思考，究竟有多少來自有意識？又有多少源於潛意識？」

「聽得懂，卻猜不透」—— 這正是聆聽蕭邦音樂的樂趣所在。

歡迎來到「夢幻王國」。
這裡不大，
但蕭邦，在這裡。

「藍調」是美國唯一的原生種音樂，是來自底層的力量！「藍調」是搖滾樂、靈魂樂、嘻哈、饒舌等現代流行音樂的前身。我們身為現代人，不能不認識它！從「藍調」出發，主持人沈鴻元、蘇重帶您一起了解二十世紀後流行音樂的一切脈絡。

【西德廣播交響樂團週年音樂會】
在第二次世界大戰之後，有八個交響樂團在德國成立，有些甚至迅速成為當時世界最頂尖的樂團。其中一個，就是西德廣播交響樂團。本次節目，要帶大家與西德廣播交響樂團一起歡度他們的七十歲生日音樂會，曲目包含當紅的青年女性小提琴家阿拉貝拉˙史坦巴赫演出貝多芬D大調小提琴協奏曲，以及芬蘭作曲家西貝流士以文學家但丁的作品「神曲」為靈感出發，擴展為大型的管絃樂作品──第二號交響曲。
而西德廣播交響樂團幾乎不再留下任何錄音室的錄音，今日難得聆聽他們現場演出，您怎能錯過？！

【小提琴家Antje Weithaas】

1966年出生於德國古本的小提琴家維特哈絲，曾就讀柏林漢斯艾斯勒音樂學院（前身為東德的德意志音樂學院）。1987年贏得克萊斯勒比賽（Kreisler-Wettbewerb）、1988年萊比錫國際巴赫比賽榮獲第一名、1991年漢諾威國際姚阿幸小提琴比賽也奪得第一名，實績赫赫的同時，先後任教於柏林藝術大學、漢斯艾斯勒音樂學院、克龍貝格學院，並於2019年起擔任國際姚阿幸小提琴比賽的藝術監督。

本週是時光旅人節目播滿九年的里程碑。
幾個星期前，主持人姚仁恭在時光旅人粉絲頁(FB)徵求聽友參與這次九週年特輯，提了幾個問題，像是：第一次聽到節目是什麼時候？最感動的歌曲是哪些？最喜歡哪一個澆心篇章…等等 。結果收到不少有緣聽友的回饋與私訊，因為時間有限，主持人將斟酌選擇轉述播出。

Chopin與Liszt，一位被譽為「當今世上最好的鋼琴家」，另一位則是「獨一無二的鋼琴家」。兩位十九世紀鋼琴藝術最耀眼的名字，既彼此欣賞，也形成鮮明對比。

1823年，年少的Liszt結束與Czerny的學習後來到巴黎，迅速成為樂壇焦點。俄國業餘鋼琴家Wilhelm von Lenz在回憶錄《我們這時代的鋼琴名家》中，詳細描寫了1828年首次拜訪17歲Liszt的震撼經驗：蒼白、冷峻、帶著強烈諷刺氣質的少年，斜倚沙發、抽著土耳其煙斗，卻在聽見Weber作品後瞬間燃起熱情。Lenz甚至寫下：「我從Liszt那裡學到的四小節，勝過此前多年所學。」

在Lenz眼中，Liszt不只是鋼琴家，更像一種時代現象。他以近乎挑釁的技巧征服巴黎沙龍文化，用驚人的演奏難度顛覆舊時代對鋼琴的想像。Liszt的作品，並非單純炫技，而是他內心世界的延伸與象徵。

1832年，Liszt在巴黎聽見Paganini演奏後，受到巨大震撼，立志成為「鋼琴界的帕格尼尼」。這場如神啟般的經驗，徹底改變了他的創作方向，也促成後來《鐘》等炫技名作的誕生。

有趣的是，同樣受到Paganini刺激的Chopin，卻走向完全不同的道路。Liszt追求的是舞台上的震撼與極限；Chopin則將鋼琴藝術帶往更細膩、更內在的詩意世界。

在這群星並立的黃金年代裡，Liszt與Chopin的並存，不只是兩種風格的對照，更是一整個十九世紀音樂精神的縮影。

Franz Liszt與Frédéric Chopin在19世紀巴黎被視為鋼琴兩種典型：前者代表炫技與新時代舞台精神，後者則以詩性與內省音樂語言著稱。回憶錄中描述年輕的Liszt於巴黎演出貝多芬《皇帝協奏曲》，在沙龍與音樂院引發震動，也與舊派鋼琴家如Kalkbrenner形成鮮明對照，象徵鋼琴藝術由沙龍走向現代音樂會舞台的轉折。

20世紀的匈牙利則在戰後劇變中重塑音樂文化。Béla Bartók與Ernő Dohnányi先後流亡或離散，美學與傳統由Zoltán Kodály承接並轉化。他在戰後體制與民族文化政策交織下，推動合唱教育與民謠研究，並在Andrey Zhdanov主導的文化路線中形成微妙契合。

Kodály的《匈牙利詩篇》等作品與音樂教育理念，使他在政治與藝術之間成為象徵性人物；其作品由Ferenc Fricsay首演，並與Arturo Toscanini等大師精神相互呼應，最終構成從Liszt到20世紀匈牙利音樂民族意識的延續與轉型。