【爵士經典現場】
金鐘獎主持人，「臺灣爵士一哥」沈鴻元，經典回顧！

無論您是日出而作、日落而息的生活模式，或是晝伏夜出的夜貓子！就讓音樂舒緩您白天壓力過後的情緒，穩定您夜裡清醒時的思緒！

行亦禪，坐亦禪，音樂讓您神往，韻律讓您超然…

週末清晨，適合暫時放下緊張情緒，慢放生活步調，讓您的心靈，煥然一新！

【作家彭菊仙，記錄和失智母親的告別練習，留下世代共同家庭記憶】

我們常說「家有一老，如有一寶」，
但陪伴罹患失智症的長輩，和照顧成長中的孩童相比，心境卻是大不同。
迷失在時間裡的老小孩，需要更多的愛和陪伴；
可是，當你身陷照顧者的泥淖中、不知所措時，該如何繼續勇敢前行？

本週「大大的必修課」，作家彭菊仙以最溫暖幽默的筆觸，
記錄和失智母親一次又一次的告別練習。
透過對生命的回顧，在歡笑、淚水和怨懟中，
重新認識母親的多重面向，也留下共同世代的家庭記憶。

※ 本節目由台北仁濟院贊助播出

【海頓：第八十八、八十九、九十號交響曲】

奧地利作曲家海頓，被尊稱「交響曲之父」，他一生共寫了104首交響曲，可以簡單分成三個時期。其中第二個時期的傑作，是為巴黎的管弦樂團所寫的一系列交響曲作品，第八十二號到第九十二號交響曲。事實上，海頓從來沒有去過巴黎，這一系列作品之所以被後人歸類為「巴黎交響曲集」，只是因為委託者都和巴黎有關，音樂中並沒有表現出和「法國」或「巴黎」有關的元素。今天節目，將要帶您聆賞這一系列中的第八十八到九十號交響曲。

過去在電影或網路八卦中，介紹作曲家舒曼時，往往習慣強調他罹患家族性遺傳精神病，以及他與妻子克拉拉、布拉姆斯之間的三角關係。

於是，舒曼儼然成了配角，這其實並不公平！

舒曼被視為十九世紀德國浪漫主義的「嫡系」傳人，大器晚成，自學成材。

他的父親是書店老闆，因此他自幼喜歡讀書、涉獵廣泛，文筆佳，善於內省與幻想，完全符合當時德國文學的精神主張。

這也是他與許多作曲家最不同之處—— 他是在二十歲時，才立志成為音樂家，自主性極強，而且非常清楚自己要的是什麼。

在古典時期，歌劇與交響曲等大型作品，才被視為作曲家的「正業」；然而舒曼卻偏偏喜歡從「小處著手」，寫下大量幻想曲，並將它們串連成一篇篇屬於自己的「音樂日記」。

他甚至公開反對古典時期標榜的「奏鳴曲式」，並直言：「不可以將所有想法，都塞入一種固定形式！
音樂一定要有內容，更要有屬於自己的形式！」

舒曼承認， 自己的音樂「不容易理解」，那是因為他深受德國浪漫主義神秘、象徵風格的影響。

他主張：「音樂的氣氛、色調、暗示與聯想，應該比以往的賦格、輪旋曲、奏鳴曲，徒具形式，更為重要！」

舒曼曾經希望成為一位全方位的音樂家，然而在指揮、演奏與教學方面，都不算成功；唯有作曲與樂評，表現得格外出色。

他曾說過：「報紙若只是像鏡子一樣反映事實，是不夠的。樂評家應該走在時代的尖端，替未來發聲！」

於是他創辦雜誌、撰寫樂評，告訴世人蕭邦、布拉姆斯即將一鳴驚人，同時也提醒人們，不可忽略巴赫與舒伯特的重要性。

他更以公正態度，推薦李斯特、華格納、白遼士、孟德爾頌等同輩作曲家。

這種作法，完全顛覆了當時樂評界「尖酸刻薄」、「踩在他人肩膀上往上爬」的畸形心態。

舒曼是一位個性單純、心無雜念的讀書人。

他的音樂，彷彿是一部自傳；他的文字，則與音樂同樣純熟，擁有其他作曲家少見的利筆，而且——「筆鋒，常帶感情！」

當然，反對者也批評他：「音樂怪異，缺乏組織」、「感情氾濫，自我陶醉」。

然而，能夠成為一家之言的創作者，必然是一位極其主觀的人。

換言之， 舒曼的個人色彩濃烈，因此無法以「客觀、冷靜」的態度作為聆聽他作品的起點。

他更不是一位 「老少咸宜」的作曲家，因為他從來沒有打算迎合所有人的品味。

為什麼？

「我無法認同那些，生命與作品不能合而為一的人！」

舒曼所追求的，是— 「百分之百的純度」。

也因此， 他同時是— 史上，最寬容的樂評家！

「藍調」是美國唯一的原生種音樂，是來自底層的力量！「藍調」是搖滾樂、靈魂樂、嘻哈、饒舌等現代流行音樂的前身。我們身為現代人，不能不認識它！從「藍調」出發，主持人沈鴻元、蘇重帶您一起了解二十世紀後流行音樂的一切脈絡。

【1998年巴伐利亞音樂饗宴, Ep.10】

美國指揮家羅林馬捷爾(Lorin Maazel, 1930~2014)曾於西元1993年至2002年間擔任德國巴伐利亞廣播交響樂團(Bavarian Radio Symphony Orchestra)的音樂總監。而馬捷爾曾讚許巴伐利亞廣播交響樂團，演出的水準如同他們所領的薪水，是世界第一流的！巴伐利亞廣播交響樂團擁有許多全歐洲最優秀的獨奏家，而在馬捷爾的的帶領下，樂團更是邁向另一個高峰。
本集為您播出1998年的演出錄音，帶來達拉皮柯拉(Luigi Dallapiccola, 1904~1975)的交響變奏曲、理察‧史特勞斯(Richard Strauss, 1864~1949)的交響詩「唐吉訶德」，以及德弗札克(Antonin Dvorak, 1841~1904)的第九號交響曲「新世界」。邀您一同欣賞！

播出曲目：

Luigi Dallapiccola: Varitions For Orchestra
Richard Strauss: 'Don Quixote', Tone Poem
Antonin Dvorak: Symphony No. 9 in E Minor, op. 95 ('New World')

【小提琴家Antje Weithaas】

1966年出生於德國古本的小提琴家維特哈絲，曾就讀柏林漢斯艾斯勒音樂學院（前身為東德的德意志音樂學院）。1987年贏得克萊斯勒比賽（Kreisler-Wettbewerb）、1988年萊比錫國際巴赫比賽榮獲第一名、1991年漢諾威國際姚阿幸小提琴比賽也奪得第一名，實績赫赫的同時，先後任教於柏林藝術大學、漢斯艾斯勒音樂學院、克龍貝格學院，並於2019年起擔任國際姚阿幸小提琴比賽的藝術監督。

本週時光旅人要將時光機倒轉回1960年代的紐約格林威治村Greenwich Village，去聽聽由Paul Simon跟 Art Garfunkel，將詩意與和聲完美交織的雙人組合Simon & Garfunkel。

1830年，20歲的蕭邦仍留在華沙。

他忙著寫曲、開音樂會，也忙著告別青春。

3月17日，他在華沙國家劇院舉行第一場告別音樂會，主角正是《F小調鋼琴協奏曲》。

而這首協奏曲，其實藏著一段初戀。

蕭邦在音樂院認識了同年的女高音 Konstancja Gładkowska，從此成為她的仰慕者。他在信中形容她：

「她在舞台上的表現比音樂廳更好……她的層次變化極其美妙。」

這位讓年輕蕭邦魂牽夢縈的女子，也成為《F小調協奏曲》第二樂章的靈感來源。

音樂會後，蕭邦寫信給好友 Tytus：

「無論走到哪裡，都只聽到人們談論 Adagio。」

這段讓觀眾深深著迷的慢板，其實標示為 Larghetto。

它不像炫技作品那樣耀眼，而更像一封沒有寄出的情書。

柔美、憂鬱、帶著青春的幻想與不安。

第一樂章其實反應普通，甚至有人聽不懂；但第二樂章卻打動了所有人。

蕭邦後來甚至改用維也納鋼琴再次演出，觀眾掌聲如雷，「每個音都像珍珠一樣」。

然而，這段初戀最後沒有結果。

蕭邦離開華沙後，兩人再也沒有見面。

Konstancja後來結婚、生子，晚年失明，在平凡人生中度過餘生。

但她曾經帶給蕭邦的悸動，卻留在音樂裡。

也許，初戀本來就不一定要有結局。

有時，它最大的意義，就是讓一位天才，寫出永遠不會消失的旋律。

「在一千年、一萬年之後，我深信我所有的作品都將消失無蹤。」

這是Bartók寫給Stefi Geyer的信。

但有些作品，顯然比其他作品更有能力活下來。

《第四號弦樂四重奏》與《第二號鋼琴協奏曲》，就是其中最有希望的兩部。

1920年代後期，Bartók在《奇異的滿州人》首演醜聞後，徹底遠離舞台創作，轉向更抽象、更純粹的器樂世界，也正式進入他創作生涯最巔峰的時期。

此時的他，不再滿足於傳統「動機發展」。

受到Alban Berg《抒情組曲》的啟發，他開始將弦樂四重奏，變成高度色彩性的聲響實驗室。

特殊奏法、音色變化、聲部織度與非線性的音樂敘事，使音樂不再只是旋律與節奏，而像是不斷變形流動的聲音建築。

《第四號弦樂四重奏》正是這種思維的極致。

五個樂章形成完美對稱：
第一與第五互相映照，
第二與第四彼此呼應，
而第三樂章則像深夜中的核心。

整部作品既精密又野性，
既理性又充滿原始能量。

至於《第二號鋼琴協奏曲》，則是Bartók對「不諧和音樂」的重新定義。

他刻意寫得比第一號更明亮、更直接、更具節奏魅力，但依然保有驚人的結構設計與鋼琴爆發力。

鋼琴與樂團不是主從關係，
而是真正彼此對抗、彼此競逐的協奏。

這不是浪漫派的情感宣洩，
而是二十世紀聲響革命最燦爛的高峰之一。

當代匈牙利新聲，「不諧和音」的巔峰力作，Bartók將帶領我們重新理解：什麼才是真正屬於時代的聲音。