艾靈頓公爵說：「沒有搖擺，就沒有爵士！」
菜鳥帕克說：「你若不置身其中，就無法演奏出真正的爵士！」

金鐘獎主持人，「臺灣爵士一哥」沈鴻元，盡情搖擺，經典回顧！

無論您是日出而作、日落而息的生活模式，或是晝伏夜出的夜貓子！就讓音樂舒緩您白天壓力過後的情緒，穩定您夜裡清醒時的思緒！

行亦禪，坐亦禪，音樂讓您神往，韻律讓您超然…

【羅西尼的人脈成功學】

誰是最快樂的音樂家？羅西尼肯定上榜！這位在三十多歲就能退休，大啖美食愜意到老的人生勝利組，是怎麼創造了人人欣羨的精彩生活？關鍵原因，就是強大的「人脈關係」。羅西尼幽默又慷慨，在巴黎擁有成功的社交圈，而這些朋友就是他心靈和事業上的支持，還在羅西尼七十歲生日時，合資送上了一尊高貴雕像！

※本節目由臺銀人壽贊助播出

【時代篇─細說巴洛克：協奏曲萌芽】

現在最受人歡迎的表演形式之一「協奏曲」，能讓獨奏者在樂團伴奏下盡情發揮技術與情感！不過，協奏曲在巴洛克時期萌芽的階段，卻有不同的意涵與組合型式，更是這個年代最具代表性的曲種之一，這次節目就要帶您從巴洛克的協奏曲聽到當代的音樂特色。

【音樂家和音樂的家】
在這裡，有音樂，和音樂家的故事，陪伴您渡過早晨到午間的美好時光。

來自古典，進入生活，大師就在你身邊！
經典曲目，獨創導聆，愛樂分享，真、善、美！

Classical Total Solutions，
人、曲合一，舉世無雙！

【被歷史遺忘的？】

音樂史上被遺忘的音樂家太多，不過如果挑幾位著名作曲家都讚賞不已的，或許勉強可以找到一些錄音。
莫札特非常讚賞的波西米亞大師米斯里維契克(Josef Mysliveček, 1737~1781)，一生創作極多，但現代人幾乎沒聽過他的大名。他有二十多部歌劇，在當時非常受歡迎，但是，被遺忘了
貝多芬十分讚賞義大利作曲家凱魯畢尼的宗教合唱作品，他還沒有完全被遺忘，至少有一部歌劇「美蒂亞」被演出，還有他拒絕李斯特入巴黎音樂院的醜聞，一直流傳。

由國寶級聲優邱佩轝邱姊姊，以溫暖母性的嗓音配合音樂起伏，藉由古典音樂之情境和故事的趣味性結合，啟發兒童的想像力。文字口語化，搭配古典音樂原有的戲劇張力，呈現活潑生動的節目風格，讓小朋友自然接觸古典音樂，學習聆賞音樂。

主流流行音樂文化並無不好，但是否也應該為現在的青少年「創造另一種音樂的選擇」，而非再繼續創造「同質性的選擇」，以符合多元化社會的發展趨勢。
國寶級聲優，邱佩轝邱姊姊運用「說故事」的方式，在沒有壓力的情況下，介紹古典音樂作品與時代、社會背景之間的意義，有別於學校中樂理、技法的教學，而是透過導聆的方式，從音樂欣賞出發，逐漸培養青少年對美感的欣賞能力。

二十世紀最具指標性的器樂演奏大師－海飛茲

說到底，芬蘭並不是德國，也不是俄羅斯，所以雖然使用同樣的西歐古典音樂語法，但民族國家文化性格的差異顯而易見。本集播放的海飛茲錄音版本乃1936年之作，屬海飛茲文青時期的詮釋風格，別有風味。

欣賞曲目
1.西貝流士，D小調小提琴協奏曲 Op. 47
Adagio di molto
Allegro, ma non tanto

【世說新語‧白話古典】論蒙台威爾第 ─ 沒有第一人，哪來的第一名！

對於一般愛樂人來說，巴赫之前的音樂家會讓人感到陌生，但是陌生卻不等於不重要，十七世紀義大利作曲家蒙台威爾第，就是最好的例子。

既然陌生，我們現在就換個角度來認識他。

蒙台威爾身處在文藝復興到巴洛克的過渡時期，比巴赫早了約一百二十年，莎士比亞、卡拉瓦喬、魯本斯、林布蘭和伽利略，跟他大約是同時期的人。
在中國，則是明末清初。

其次，蒙台威爾第被公認為是歌劇、管弦樂團、舞台佈景的創始者，他最擅長的就是「劇力萬鈞」，喜歡「玩大的」、「玩真的」和「玩聲音」。
他早期受到文藝復興時期，及十六世紀荷蘭人「尼德蘭風格」影響，但隨即走出以服務宗教為主的單調音樂風格，並且找回了義大利人的明朗個性。

「說話、朗誦、唱歌」，是人類口唱藝術的三個階段。

早期人類從「說話」進入無樂器，或使用單一樂器「朗誦」、「哼念」及「聲音和聲」的階段，例如中世紀遊唱詩人及文藝復興時期的宗教經文歌。
之後才進入到「唱」的階段，換言之，蒙台威爾第的重要性就在這裡，因為從他開始，聲音有了戲劇性，找到了表情，展現了趣味！

文藝復藝時期強調合唱複音音樂及對位，單調、變化少。

巴洛克時期，「人」開始思考在「天」、「地」之間的角色。
「人性」、「人本」思想出現，宗教在音樂中不再是唯一的功能及服務對象，所以，「人聲開始追求自主」，而不是只有「朗誦」或是「歌頌」的單調表現。

再用更簡單的方式解釋，如果文藝復興時期的音樂是「一條直線」，那麼巴洛克時期的音樂就會是「許多大小不同的圓」，這也就是「巴洛克」這個名詞在葡萄牙語中原來的意思，指的是「形狀不規則的珍珠」，可是在開創時期，是負面貶低的形容詞。

蒙台威爾第既然把「人」帶進音樂中，所以就必須設法「為人發聲」、「為音樂找到張力」。換句話說，聲音要有情緒。

他認為，音樂要表現旋律的戲劇性，找到和人說話相同的抑揚頓挫，同時「語言，應該是和聲的主人」，「和聲，只是語言的情婦」！
這種主張，現代人絕對認同，但是在神權和帝王時代，根本就是「大逆不道」！

於是他開始「玩聲音」，大膽實驗人聲和樂器的色彩，讓劇中人物有血有肉，讓舞台佈景、音響效果、對白、動作更精準符合人性寫實觀點，所以有人形容，蒙台威爾第的歌劇，甚至比十九世紀以後的華格納或普契尼的作品，更符合現代人對歌劇的思維，即使是隔了四百年，依然很好聽！

簡單的說，蒙台威爾第的重要性在於他解放了「人的視聽感官」，讓人站上舞台「成為主角」，同時他讓之後的古典音樂，變得「中聽又中看」！

所以我們會說，沒有第一人，哪來第一名？沒有蒙台威爾第，也不會有威爾第！