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二十世紀音樂改革

二十世紀初期,作曲家捨棄自古遵循的傳統和聲法則,改以「微分音」(Microtones)、「無調性音樂」(Atonal music)、「多調性音樂」(Polytonal music)和「機率音樂」(Aleatory Music)等突破性的作曲手法,開啟了二十世紀音樂斷代史。

無調性音樂  Atonal music
 

1907年荀白克創作「第二號弦樂四重奏」時,決定捨棄傳統主音音樂系統

1908年奧地利作曲家荀白克(Arnold Schoenberg, 1874~1951) 可說是最早宣揚「無調性音樂」(Atonal music)的作曲家,他顛覆傳統和聲學定律,放棄傳統大、小調的主音音樂概念和平均律系統,平等地重視每個音符的地位。荀白克為女高音和管弦樂團所譜寫的歌劇「期待」  (Monodrama: “Erwartung”, Op.17),為早期無調性代表作品之一。儘管許多人仰慕荀白克新穎的無調性作品,但是實際接觸之後,卻對其節奏僵硬 、音色枯燥的音樂感到乏味,甚至無法接受,也因此寧願欣賞悅耳動聽的調性音樂。

微分音  Microtones
20世紀之前,音樂理論中被定義為最小的音值為「半音」(Semitone)。二十世紀之後,出現值量更小的新單位名稱─「微分音」(Microtones)。捷克作曲家暨音樂理論家哈巴(Alois Haba, 1893-1973)率先推廣「微分音」的理念,他將全音符平均分為「三分(之一)音」、「四分(之一) 音」和「六分(之一) 音」,形成比「半音」更小的單位。然而,自古以來「微分音」都確實存在,例如,弦樂和管樂器演奏時產生的「泛音」  (Overtone),就是演奏時容易聽見的「微分音」。

多調性音樂  Polytonal music
所謂的「多調性音樂」是將兩個以上相關聯的調性結合 。美國作曲家艾伍士(Charles Ive, 1874~1954)為早期「多調性音樂」的代表作曲家。艾伍士曾在耶魯大接受正統的音樂訓練,卻選擇以保險業務人員為終身職業,而利用業餘時間作曲的他,音樂相當複雜而難以演奏,例如他的「第四號交響曲」 就必須動員四位指揮家才能讓樂團順利演奏。

 

打破德奧音樂系統的美國作曲家艾伍士,他的音樂影響了19世紀末期的美國音樂

史特拉汶斯基1951年在義大利威尼斯,指揮排練「浪子的歷程」

此外,另一位倡導「多調性音樂」的代表人物,為俄國作曲家史特拉汶斯基(Igor Stravinsky, 1882~1971),他的芭蕾舞劇音樂「春之祭」 當中,試圖發揮低音管的演奏音域,旋律、節奏和調性也都極度扭曲。1913年五月在巴黎首演時,則因為曲風前衛大膽而引發聽眾暴動!當時的劇院經理親自出面勸告聽眾,並請求大家安靜聽音樂以控制場面。首演時,法國作曲家聖桑(Camille Saint-Saens, 1835~1921)更不斷地說出「這真是瘋狂!」(Il est fou!)的驚嘆語。然而,芭蕾舞劇音樂「春之祭」卻成為當代音樂作品當中,最受歡迎與演奏次數最多的曲目之一。

機率音樂  Aleatory Music
「機率音樂」(Aleatory Music)又可稱為「機會音樂」或是「偶然音樂」(Chance Music/Music of Indeterminacy),「Alea」這個字在拉丁文中是「骰子」和「打賭」的意思。
 

史托克豪森捨棄傳統記譜法,也改用電子琴、電子合成器、錄音機等儀器作曲

 

約翰‧凱吉是「表現主義」作曲家荀白克的學生,他把多種品放置在鋼琴的琴弦上,離入迴紋針、廣播機或是死魚,構成打擊樂器「加料鋼琴」

「機率音樂」(Aleatory Music)是一種偶然與立即的音樂活動 ,它可以在創作或是演奏時發生,讓音樂出現更多的可能性,這也是為什麼德國作曲家史托克豪森(Karlheinz Stockhausen, 1928~)的作品每次聽起來都不相同的原因。史托克豪森捨棄傳統的音符記譜,改以文字敘述音樂詮釋方法。史托克豪森甚至誇張地建議音樂家,演奏作品「金塵」(Gold Dust)之前必須先挨餓個四天四夜。
美國作曲家約翰‧凱吉(John Cage, 1912~1992)的作品「4’33”」(4分33秒)則是請鋼琴家安靜地坐在舞台上四分三十三秒,台下觀眾在這段時間之內發出的雜音和環境音,就是這部作品的演奏內容,鋼琴家在4分33秒之後就可結束演出。
音樂家霍夫諾(Gerard Hoffnung)則反諷約翰‧凱吉的創作理念,於1950年出版無聲的三個小節作品。霍夫諾解釋第一個小節必須以五比四的比例演奏,但是第二個小節則要以三比四的比例演奏,此外他更以幽默的口氣解釋「作品必須以非常維也納的風格詮釋」(giving the whole work quasi-Viennese flavours),如此無厘頭的演奏要求,可見霍夫諾挖苦約翰‧凱吉的意味濃厚。
約翰‧凱吉與舞團合作舞台音樂之時,開創「加料鋼琴」(Prepared Piano),所謂的「加料鋼琴」,就是在鋼琴的琴弦上放置迴紋針、釘子等奇形怪狀的物品。約翰‧凱吉認為這樣能改變琴弦的音色,同時也增加新的音響效果,開創新的打擊音樂之可能。約翰‧凱吉的作品編制奇特,例如,作品「HPSCHD」是為7台豎琴以及51個錄音機所寫,此外,約翰‧凱吉的作品「0’00”」當中,則無任何樂器編制和演奏方式的限制。
有趣的是,二十世紀以後的音樂家們,致力於發展與突破新的音樂型態,相對於過去幾百年所傳承的「和諧」和「悅耳」,二十世紀的音樂改革,也像是在測試人們聽覺可接受的極限;另一方面,也有音樂家和學者開始「復古」,試圖「還原」過去百年前的音樂原貌,許多的古樂合奏團就是如此。不論是復古還是創新,都代表人的思想正不斷延伸,找到新的連結,如此,音樂才有新的意義出現。

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